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Automne 1972 : au tribunal de Bobigny comparaissent devant les juges Marie-Claire Chevalier, jeune fille de 16 ans, ayant choisi d’avorter après avoir été violée, et sa mère. Elles sont défendues par la célèbre avocate Gisèle Halimi, dans un procès devenu historique. Quelque 50 ans plus tard, Émilie Rousset et Maya Boquet se saisissent de cet évènement : pas de procès rejoué ici, pas de reenactment spectaculaire, mais un dispositif inédit fondé sur l’expérience intime de l’écoute. Sur douze postes répartis dans l’espace, entre lesquels spectateur·rices se déplacent sur le grand plateau, les comédien·nes prêtent leur voix aux témoins d’hier et d’aujourd’hui. Une démarche originale, fondée sur la liberté de chacun·e, invité·e à découvrir ce moment qui mit la question des droits des femmes au cœur du débat public. Une restitution actualisée, qui fait écho aux enjeux du présent sur l’avortement, entre reconnaissance constitutionnelle et remise en cause.

Co-fondatrice du Living dance Studio – première compagnie artistique indépendante chinoise, avec le réalisateur de documentaires Wu Wenguang –, à Pékin en 1995, Wen Hui danse, filme et archive le réel. Après I am 60, qui faisait revivre la créativité saisissante du cinéma féminin des années 1930 en mêlant ses combats à ceux d’aujourd’hui, elle reprend le flambeau du droit des femmes à disposer de leur propre corps. En 1999, la chorégraphe s’intéressait aux expériences d’accouchement de ses compatriotes (Report on Giving Birth). Un quart de siècle plus tard, elle poursuit sa critique de l’interventionnisme de l’empire du milieu qui, après avoir imposé la doctrine de l’enfant unique durant deux décennies, enjoint par la discrimination une natalité forte face au vieillissement de sa population. Interviews, documents sonores et vidéos servent de socle à une pièce montrant comment l’intime est politique. Quatre danseuses d’origines et de générations variées composent en direct une mosaïque de résistance au féminin.

Quel lien y-a-t-il entre la persécution des sorcières à travers l’histoire et l’utilisation de la main d’œuvre féminine ? C’est ce qu’explorent dans Magic Maids les chorégraphes Eisa Jocson et Venuri Perera. Originaires des Philippines et du Sri Lanka, deux pays où fleurit aujourd’hui l’économie du travail domestique, elles ont lors d’une résidence à Bâle découvert les conséquences des procès de sorcières sur l’exploitation du travail féminin aujourd’hui, mais aussi la permanence de la sorcellerie comme moyen d’assujettissement des ouvrières migrant·es dans les pays du Sud.

Au plateau, elles s’adjoignent les services d’un objet particulier : le balai. À la fois attribut magique et outil de travail, il devient ici symbole d’oppression tout autant que de révolte, avec lequel interagissent les corps. Empruntant aussi bien au rituel qu’à la chorégraphie ou au dialogue des voix, faisant se côtoyer le sens de l’humour et celui du tragique, la performance fait vaciller les rapports de pouvoir, et oppose à la violence systémique la solidarité féminine et l’intimité.

Lucide observateur des mécanismes intimes et politiques, Kornél Mundruczó les explore à travers des personnages d’une frappante authenticité. C’est encore le cas dans Parallax où se croisent trois générations : la grand-mère à Budapest qui refuse d’accepter une médaille de rescapée de la Shoah ; sa fille à Berlin, qui au contraire fait valoir une identité juive pour obtenir une place pour son fils dans une école ; et ce même fils, en quête d’identité en tant qu’homosexuel, entre joyeuse débauche et discrimination. Dans une scénographie riche de détails et de surprises, à l’image d’une réalité toujours susceptible de renverser les vies et les visions, ils se heurtent aux mêmes questions : comment échapper aux assignations, lorsqu’elles s’inscrivent dans les corps et les mémoires ? L’identité est-elle un poids, une libération ? Une affaire de point de vue ? C’est la question que pose le titre, puisque la parallaxe, en astronomie, désigne l’impact du changement de position de l’observateur sur la perception de l’objet.

Longtemps considéré·es comme apatrides, les Roms de Grèce, qui n’ont été naturalisé·es qu’en 1979, continuent à vivre en marge de la société. En dépit des liens étroits qui les rattachent à la culture et à l’histoire grecques, les Roms ne sont présent·es dans l’espace public que comme objets de préjugés et représentations fantasmagoriques largement partagés. Après Clean City, consacré à la situation des femmes de ménage, les metteurs en scène Anestis Azas et Prodromos Tsinikoris poursuivent leur enquête sur les angles morts du monde contemporain en se penchant sur la condition d’une communauté méconnue. Après des recherches menées à travers toute la Grèce, ils inversent la perspective et invitent celles et ceux dont on parle à parler. Investissant le plateau, les Roms reconquièrent une voix politique en témoignant de leur stigmatisation, non sans prendre un malin plaisir à décliner toutes sortes d’attributions et d’assignations qu’ils et elles partagent avec les gens du voyage à travers l’Europe entière.

Pour Exit, le chorégraphe flamand Piet Van Dycke a invité quatre spécialistes de disciplines différentes à inventer ensemble un langage commun. Pas d’agrès ni d’accessoires pour cela, mais cinq portes et un mur pivotant. Dans cet espace qui leur réserve des surprises, les artistes entrent et sortent, apparaissent et disparaissent, sautent et tombent, se retiennent et se propulsent, se soutiennent et s’entraident. Tous les quatre se hissent dans les airs, glissent du mur et cherchent un état d’équilibre commun qu’ils finissent par trouver. En jouant de l’intérieur et de l’extérieur, explorer l’environnement et ses obstacles devient une façon d’explorer la relation entre l’individu et le groupe. Selon Piet Van Dycke, le cirque ne consiste pas à réaliser, mais à défier l’impossible : en quête perpétuelle d’interaction, frôlant régulièrement la chute, les circassiens découvrent peu à peu la nécessité de la confiance en l’autre. Une manière de donner une forme physique au vivre-ensemble, dans un spectacle brillant sur l’importance du collectif.

Depuis la rentrée de septembre, des projets de médiation sont portés par l’équipe des relations avec le public du Maillon auprès de jeunes en temps scolaire et hors temps scolaire et ce en lien étroit avec la programmation du Maillon.
Option théâtre au lycée, ateliers dans les centres sociaux, master classes… : tous ces projets sont menés, chaque saison, avec des artistes et associent de nombreux partenaires. Le temps d’une demi-journée, nous vous invitons à découvrir les restitutions de ces ateliers.

Originaire de la province de Jujuy, à l’extrême nord de l’Argentine, Tiziano Cruz invite à l’accompagner sur les lieux de sa culture, auprès de « ses frères à lui » (Wayqeycuna en langue quechua). Un voyage qui commence avec le tintement d’une cloche, fait de récits et d’images de montagne, mais aussi de rituels repris sur la scène. Des gestes simples et précis, comme un contre-modèle à la violence du monde, qui prendrait sa source dans le passé : dérouler un tissu, disposer sur une table des corbeilles de fruits et des petits pains que l’on cuisait autrefois en l’honneur des morts. Dans cette célébration intime où s’exprime aussi le deuil de la sœur disparue, l’artiste puise dans la tradition une force tranquille à opposer à la réalité de l’exploitation capitaliste, de l’autoritarisme politique et du colonialisme culturel. Aux rapports de force du monde, il substitue le temps d’une performance la douceur et la réconciliation, et donne à voir et à entendre, comme offert, un sentiment de communauté. Une manière de repenser le partage du sensible.

Le spectacle commence sans fanfare ni trompettes. Un homme, nonchalamment, entre sur une scène qu’habitent quelques objets anodins, un escabeau, un portant à vêtements, des tréteaux... rien de bien original au théâtre finalement. Mais bientôt la porte se referme derrière lui : le voici désormais enfermé, comme placé contre son gré sous le regard du public. Inlassablement, il se débat dans un monde insaisissable et rétif où se multiplient les (petites) catastrophes, où les lois les plus simples de la physique n’ont plus cours, où s’estompe la frontière entre réalité et illusion. Dans ce seul en scène qui convoque le cirque, la danse, le théâtre et la magie nouvelle, Marc Oosterhoff renverse l’ordre des choses. Il campe avec humour un héros de tous les jours coincé dans une histoire qui n’est pas la sienne, où les choses défient son inventivité. Teintée d’une douce mélancolie, cette préparation pour un miracle est une façon ludique d’aborder notre désarroi face à la réalité, le réenchantement d’un monde qui nous échappe, mais avec lequel nous devons toujours composer.

en famille, à partir de 8 ans