Agenda

Envie de passer de l’autre côté du miroir ? Venez assister aux « Classes ouvertes » et découvrez l’entraînement des danseurs du Ballet de l’OnR.

Strasbourg, Opéra Jeu. 27 fév. 12h30

Quintett (1993), Trio (1996) et Enemy in the Figure (1989) créées par le Ballet de Francfort.

Programme pour l’ensemble de la compagnie.
Spectacle présenté avec des musiques enregistrées

Comment vous définissez-vous ? — Je suis un utilisateur du ballet classique, du système classique, mais pas de sa rhétorique. Comment travaillez-vous ? — Je pars de n’importe quoi, un mot, une couleur, un son, un espace. Ensuite, je fabrique mon matériel : un mouvement, une lumière, un son avec un objet, un objet avec un mouvement, un son avec une lumière et un mouvement, parfois tout ensemble. Je fais des séquences, ensuite je les monte comme un film. Voyez-vous un futur au ballet classique ? — Le vocabulaire n’est pas, ne sera jamais vieux : c’est l’écriture qui date. Si son écriture évolue, il n’y a aucune raison pour que le ballet classique disparaisse. »
– Entretien avec William Forsythe, juin 1988.

Il y a quarante ans, le chorégraphe américain William Forsythe prenait la direction du Ballet de Francfort et posait avec sa pièce Artifact (1984) le premier jalon d’une aventure artistique au long cours qui allait profondément renouveler l’écriture et l’approche contemporaine de la danse, et ouvrir celle-ci à l’influence d’autres disciplines. Le Ballet de l’Opéra national du Rhin retrace cette révolution en réunissant pour la première fois trois pièces de Forsythe créées dans les années 1990 sur des musiques de Gavin Bryars, Ludwig van Beethoven et Thom Willems : l’hypnotique Quintett (1993), le virtuose Trio (1996) qui fait son entrée au répertoire de la compagnie, et enfin le magnétique Enemy in the Figure (1989). Un programme détonnant, qui met à l’honneur la vitesse et la puissance des corps.

 

À partir de 8 ans

 

Quatre artistes coréens du Chœur de l’OnR ont imaginé un programme qui retrace l’évolution de la chanson dans leur pays, partant du répertoire traditionnel pour s’aventurer jusqu’aux chansons qui résonnent dans la Corée d’aujourd’hui

Opéra en quatre parties.
Livret de Francesco Maria Piave d’après Alexandre Dumas fils.
Créé au Teatro La Fenice à Venise le 6 mars 1853.

Nouvelle production.

 

Etre libre, passer de joie en joie, se noyer dans les tourbillons de l’ivresse et de la volupté… Tel est le credo de la divine Violetta Valéry qui illumine de ses frasques les soirées parisiennes endiablées, où une certaine élite fortunée et branchée aime à se laisser aller. Les hommes la convoitent et sont prêts à dépenser des sommes folles pour parader à son bras et recevoir ses faveurs. Malgré toute cette attention portée sur elle, seul un de ces messieurs semble s’inquiéter de la pâleur qui voile parfois son beau visage. Ses déclarations enflammées font renaître en elle l’espoir d’un bonheur simple qu’elle pensait inaccessible. Mais dans une société d’apparence et de ­faux-semblants, une femme-objet a-t-elle le droit d’aimer et d’être aimée ?

Au début des années 1850, Verdi est au cœur d’un scandale en s’affichant avec une ancienne soprano jugée infréquentable en raison de son passé tumultueux. Pour régler ses comptes avec l’hypocrisie morale de la bourgeoisie italienne, il adapte en 1853 une pièce à succès d’Alexandre Dumas fils, La Dame aux camélias, traitant de l’amour impossible d’un jeune homme de bonne famille avec une courtisane, et choisit pour ce nouvel opéra un titre provocateur : La Traviata, littéralement « La Dévoyée ». Malgré les polémiques, celui-ci s’impose rapidement comme un chef-d’œuvre iconique et indémodable, confié ici à la dextérité du chef Christoph Koncz. Amélie Niermeyer le met en scène dans la frénésie d’un monde exubérant et désinhibé, afin d’en souligner l’universalité.

En italien
Surtitré en français, allemand

À partir de 12 ans

 

Mariages romantiques

Cycles de lieder et de mélodies de Schumann, Mahler et Ravel.

Au diapason du romantisme dont l’écrivain Eichendorff a chanté les accents, lesquels éclatent dans le Liederkreis opus 39 de Schumann, le ténor allemand évoque des noces heureuses ou tragiques à travers trois autres cycles : Der arme Peter de Schumann, les Chants d’un compagnon errant de Mahler et les Cinq mélodies populaires grecques de Ravel.

 

L’Italie, d’hier et d’aujourd’hui.

Le recueil attribué à Vivaldi, joué ici aux hautbois et basson, est suivi d’une pièce pour clarinette seule de Berio, datant de 1983.

Flashback avec le quintette de Briccialdi, flûtiste influent en son temps.

Retour enfin au XX^e siècle.
Un amusant dialogue du piccolo et du hautbois par Scelsi laisse place à Berio et une œuvre pour vents aux multiples langages « modernes ».

L’Italie, d’hier et d’aujourd’hui.

Le recueil attribué à Vivaldi, joué ici aux hautbois et basson, est suivi d’une pièce pour clarinette seule de Berio, datant de 1983.

Flashback avec le quintette de Briccialdi, flûtiste influent en son temps.

Retour enfin au XX^e siècle.
Un amusant dialogue du piccolo et du hautbois par Scelsi laisse place à Berio et une œuvre pour vents aux multiples langages « modernes ».

Dans le cadre du festival Arsmondo Méditerranée

Vus de France ou de Pologne, les chants de l’Andalousie, de la Grèce, du Maghreb ou de Palestine forment des dégradés dans l’exotisme qui fascina tant les compositeurs et compositrices occidentaux. La preuve par ce récital des jeunes artistes de l’Opéra Studio, composé de mélodies avec piano signées Pauline Viardot, Maurice Ravel, Darius Milhaud, Joaquin Rodrigo ou Karol Szymanowski.

Comédie en musique en cinq tableaux.
Livret de Paul Knepler et Fritz Löhner.
Créée à l’Opéra de Vienne le 20 janvier 1934.
Version française d’André Mauprey.

Dans le cadre du festival Arsmondo Méditerranée.

Et si la mort m’enlève,
Je veux qu’elle m’achève
Dans un baiser de flamme
Où chantera le mot : aimer ! »

Quand Giuditta se met à chanter l’amour au cabaret Alcazar, le temps suspend son vol. Elle a tout d’un oiseau de paradis ou d’un ange tombé du ciel. Plusieurs hommes ont tenté de l’enfermer dans une cage dorée et de l’attraper avec des rivières de diamants en guise de collets. Sans succès : la belle est aussi jalouse de sa liberté que de ses secrets. Personne ne connaît vraiment son histoire, ni l’oiseleur qui l’a découverte un jour sur une plage et l’a épousée sans lui poser de question, ni même ce beau légionnaire avec lequel elle s’est enfuie en Afrique du Nord.

Qualifiée de « musikalische Komödie » par son auteur, la dernière œuvre de Lehár se rapproche bien plus des grands opéras de Puccini que des comédies musicales américaines, comme en témoigne sa création en grande pompe au Staatsoper de Vienne en 1934. Si Giuditta n’est pas sans rappeler certaines héroïnes lyriques (Carmen, Violetta, Mélisande) et quelques célèbres courtisanes bien réelles (notamment la « Belle Otero », danseuse espagnole devenue l’amante des souverains européens), elle doit beaucoup à Marlène Dietrich et à ses rôles iconiques de meneuse de revue dans les films L’Ange bleu et Morocco. À la tête de l’Orchestre symphonique de Mulhouse, Thomas Rösner dirige la version française de cette envoûtante rareté, dans un spectacle flamboyant de Pierre-André Weitz inspiré par les univers du cirque et du cabaret.

En français
Surtitré en français, allemand

À partir de 10 ans

 

En marge des représentations de Giuditta, on se plaira à entendre les jeunes artistes de l’Opéra Studio dans des airs et ensembles extraits des plus belles opérettes de Franz Lehár, des plus connues, comme La Veuve joyeuse ou Le Pays du sourire, aux moins fréquentées, parmi lesquelles Friederike dont l’action se situe en Alsace.

Les quatuors de voix d’hommes a cappella dans le style « barbershop » constituent une originalité américaine qui remonte à la fin du XIXe siècle et qui serait née dans les échoppes de barbier où l’on aimait faire de la musique entre hommes. En clin d’œil aux représentations de Sweeney Todd, quatre artistes du Chœur de l’OnR nous font entendre quelques chansons aux harmonies typiques de ce style, en alternance avec des pièces pour quatuor de cuivres.

Si la vengeance est un plat qui se mange froid, certains comme Benjamin Baker l’aiment chaud. Condamné aux travaux forcés par un juge véreux qui a violenté sa femme et enlevé sa fille, ce barbier a ruminé durant quinze ans une haine noire envers la bonne société londonienne qui l’a maltraité. De retour à Fleet Street sous le nom de Sweeney Todd, il retrouve ses rasoirs et son ancien salon, situé au-dessus de l’échoppe où Mrs. Lovett peine à vendre ses tourtes à la viande. De soudaines disparitions attisent cependant les rumeurs. Ce barbier au teint pâle se serait associé à l’accorte pâtissière pour une petite entreprise aux revenus juteux…

Sweeney Todd, the Demon Barber of Fleet Street
Thriller musical.
Musique et paroles de Stephen Sondheim.
Livret de Hugh Wheeler d’après la pièce éponyme de Christopher Bond.
Orchestration de Jonathan Tunick.
Création à Broadway le 1er mars 1979 au Uris Theatre mise en scène par Harold Prince et produite par Richard Barr, Charles Woodward, Robert Fryer, Mary Lea Johnson, Martin Richards en collaboration avec Dean et Judy Manos.

Si la vengeance est un plat qui se mange froid, certains comme Benjamin Baker l’aiment chaud. Condamné aux travaux forcés par un juge véreux qui a violenté sa femme et enlevé sa fille, ce barbier a ruminé durant quinze ans une haine noire envers la bonne société londonienne qui l’a maltraité. De retour à Fleet Street sous le nom de Sweeney Todd, il retrouve ses rasoirs et son ancien salon, situé au-dessus de l’échoppe où Mrs. Lovett peine à vendre ses tourtes à la viande. De soudaines disparitions attisent cependant les rumeurs. Ce barbier au teint pâle se serait associé à l’accorte pâtissière pour une petite entreprise aux revenus juteux…

Au XIXe siècle, la Grande-Bretagne se passionne pour les penny dreadfuls, ces histoires macabres inspirées de faits réels publiées en feuilleton. De ce plaisir coupable est né le personnage de Sweeney Todd, auquel le dramaturge anglais Christopher Bond a inventé en 1970 un passé et des motivations inspirés par certains épisodes du Comte de Monte-Cristo et du Barbier de Séville. Neuf ans plus tard, c’est au tour du génial Stephen Sondheim d’immortaliser la vengeance du barbier de Fleet Street avec une partition à la fois épique et fantasque. Après le succès de West Side Story en 2022, le truculent Barrie Kosky retrouve Sondheim et les scènes de l’Opéra national du Rhin avec ce palpitant et hilarant thriller musical, mené par Scott Hendricks et Natalie Dessay sous la direction de Bassem Akiki.

En anglais
Surtitré en français, allemand

À partir de 12 ans

 

L’année 2025 marque le centenaire du décès de l’Alsacienne Marie Jaëll.

Éminente pédagogue, pianiste virtuose, elle est aussi compositrice et démontre, dans son Quatuor écrit à moins de trente ans, une remarquable science de l’instrumentation.

Ravel, lui, n’a que 27 ans lorsqu’il publie son Quatuor. Les critiques ont loué « la pureté de la ligne et de l’équilibre architectural ».

L’année 2025 marque le centenaire du décès de l’Alsacienne Marie Jaëll.

Éminente pédagogue, pianiste virtuose, elle est aussi compositrice et démontre, dans son Quatuor écrit à moins de trente ans, une remarquable science de l’instrumentation.

Ravel, lui, n’a que 27 ans lorsqu’il publie son Quatuor. Les critiques ont loué « la pureté de la ligne et de l’équilibre architectural ».

Des deux côtés de l’Atlantique

Lieder et chansons de Weill, Korngold, Zemlinsky et Alma Mahler.

D’un continent à l’autre, la mezzo-soprano Kate Lindsey déploie son programme main dans la main avec le pianiste de jazz Baptiste Trotignon. Pour guide ils ont choisi Kurt Weill, dont on entendra les chansons gouailleuses écrites dans ses périodes allemande, française et américaine.