Agenda

Quelques artistes du Ballet présentent l’une des pièces chorégraphiques de la soirée Spectres, avec un petit numéro de danse suivi d’une rencontre et d’un atelier ludique. Un moment de découverte et d’échange unique, au plus près des danseurs et de leur art. De 8 à 12 ans  

Ces silhouettes sont toutes différentes mais elles partagent les mêmes joies simples: chanter à tue-tête sous la douche, danser librement sur leur chanson préférée, savourer les picotements d’un amour naissant... Portrait d’une jeunesse décomplexée qui a soif de vivre, de rire et d’aimer (Sous les jupes). — Quand les spectres s’éveillent, la lumière danse avec les ombres dans un jeu de clair-obscur (Rex). — Le temps file, inexorable, vers un futur hypothétique, sans que l’on ne puisse jamais suspendre sa course. Les Anciens le mesuraient grâce à l’écoulement d’un sablier. Sans doute avaient-ils remarqué que le temps s’apparente au sable: plus on essaie d’en retenir dans sa main, plus il s’écoule rapidement (Poussière de Terre).

Spectres d’Europe fait dialoguer les univers de trois chorégraphes de la nouvelle génération aux styles déjà bien affirmés: la légèreté profonde et communicative de Pierre-Émile Lemieux-Venne (danseur-chorégraphe du Ballet de l’OnR), la danse spectrale de Lucas Rodrigues Valente, lauréat du dernier Concours de jeunes chorégraphes de Biarritz, et les circonvolutions métaphysiques de l’artiste espagnole Alba Castillo. Une soirée en trois actes où se croisent les fantômes des temps passés, présents et futurs.

Sous les jupes de Pierre-Émile Lemieux-Venne.
Rex de Lucas Rodrigues Valente.
Poussière de Terre d’Alba Castillo

Ces silhouettes sont toutes différentes mais elles partagent les mêmes joies simples: chanter à tue-tête sous la douche, danser librement sur leur chanson préférée, savourer les picotements d’un amour naissant... Portrait d’une jeunesse décomplexée qui a soif de vivre, de rire et d’aimer (Sous les jupes). — Quand les spectres s’éveillent, la lumière danse avec les ombres dans un jeu de clair-obscur (Rex). — Le temps file, inexorable, vers un futur hypothétique, sans que l’on ne puisse jamais suspendre sa course. Les Anciens le mesuraient grâce à l’écoulement d’un sablier. Sans doute avaient-ils remarqué que le temps s’apparente au sable : plus on essaie d’en retenir dans sa main, plus il s’écoule rapidement (Poussière de Terre).

Opéra en un acte.
Texte de Martin Crimp.
En préambule au festival Musica.
Création mondiale le 5 juillet 2023 au Théâtre du Jeu de Paume à Aix-en-Provence.

À peine mon enfant avait-il commencé à faire des phrases complètes qu’il est mort. Je l’ai drapé dans la soie habituelle pour le brûler. J’étais en colère mais je l’ai lavé. Je l’ai lavé. Je l’ai drapé. J’ai fermé ses yeux. Mais quand les femmes sont venues le prendre – le prendre pour le brûler – je leur ai dit : “Non.” […] La terre froide, les tiges mortes des fleurs reprennent vie. Pourquoi pas mon fils ? Les femmes souriaient. L’une me conduisit tranquillement vers la fenêtre et me dit : “Trouve une personne heureuse en ce monde et prend un bouton de la manche de son vêtement. Fais-le avant la nuit et ton enfant vivra.” Puis elle me donna cette page, arrachée d’un vieux livre. “Elle t’indiquera où chercher et qui interroger. Une personne heureuse, rien qu’une. Tu as jusqu’à la nuit.” »

Le compositeur George Benjamin et le dramaturge Martin Crimp ont marqué l’histoire récente de l’opéra avec la création triomphale en 2012 de Written on Skin, présenté depuis dans le monde entier. Après deux œuvres « grand format », ils ont souhaité renouer pour leur quatrième opus avec la souplesse expressive de l’opéra de chambre. Nourri par diverses traditions littéraires et philosophiques, Picture a day like this est une fable initiatique sur la nature humaine, racontée au fil d’une mosaïque narrative et musicale aux couleurs changeantes. Daniel Jeanneteau et Marie-Christine Soma en signent une mise en scène bouleversante, à la frontière entre réalisme et onirisme. Un concentré d’émotion pure, confié à Alphonse Cemin, fin connaisseur de la musique de Benjamin.

En anglais
Surtitré en français, allemand

À partir de 12 ans

 

« À peine mon enfant avait-il commencé à faire des phrases complètes qu’il est mort. Je l’ai drapé dans la soie habituelle pour le brûler. J’étais en colère mais je l’ai lavé. Je l’ai lavé. Je l’ai drapé. J’ai fermé ses yeux. Mais quand les femmes sont venues le prendre – le prendre pour le brûler – je leur ai dit : “Non.” […] La terre froide, les tiges mortes des fleurs reprennent vie. Pourquoi pas mon fils ? Les femmes souriaient. L’une me conduisit tranquillement vers la fenêtre et me dit : “Trouve une personne heureuse en ce monde et prend un bouton de la manche de son vêtement. Fais-le avant la nuit et ton enfant vivra.” Puis elle me donna cette page, arrachée d’un vieux livre. “Elle t’indiquera où chercher et qui interroger. Une personne heureuse, rien qu’une. Tu as jusqu’à la nuit.” »

Le compositeur George Benjamin et le dramaturge Martin Crimp ont marqué l’histoire récente de l’opéra avec la création triomphale en 2012 de Written on Skin, présenté depuis dans le monde entier. Après deux œuvres « grand format », ils ont souhaité renouer pour leur quatrième opus avec la souplesse expressive de l’opéra de chambre. Nourri par diverses traditions littéraires et philosophiques, Picture a day like this est une fable initiatique sur la nature humaine, racontée au fil d’une mosaïque narrative et musicale aux couleurs changeantes. Daniel Jeanneteau et Marie-Christine Soma en signent une mise en scène bouleversante, à la frontière entre réalisme et onirisme. Un concentré d’émotion pure, confié à Alphonse Cemin, fin connaisseur de la musique de Benjamin.

Entre les siècles

Mélodies de Purcell, Haendel, Schubert, Baird et Łukaszewski.

Le grand écart entre musique baroque et mélodies polonaises du XXe siècle n’est pas fait pour effrayer le contre-ténor star Jakub Józef Orliński: jeune homme de son temps, il ne cesse d’inscrire ses recherches en musique ancienne dans une démarche contemporaine.

 

RÉCITAL

À partir du chant révolutionnaire chilien « El pueblo unido jamás será vencido » (Le peuple uni jamais ne sera vaincu), Frederic Rzewski compose en 1975 une œuvre majeure du piano contemporain.

En 36 variations d’une étonnante liberté et d’une beauté intense, c’est l’histoire des luttes du XXe siècle qu’il fait résonner, comme l’illustrent deux autres mélodies qui habitent la pièce, le « Bandiera Rossa » italien et l’hymne antifasciste « Solidaritätslied » de Hanns Eisler. « Elles apparaissent, écrivait le compositeur, pour mieux souligner les similitudes entre les menaces fascistes présentes et passées, et insister sur l’importance d’en tirer les leçons. »

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de 6 à 25€
11€ avec la carte musica

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PROGRAMME
Frederic Rzewski, The People United Will Never Be Defeated! (1975)

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piano | Ralph van Raat

 

 

Nous ne cesserons pas — Des touches d’un clavier blanc et noir inlassablement gravies et descendues par les mains d’un pianiste virtuose, jaillit un rêve fait d’ombre et de lumière, dans lequel une échelle aux degrés infinis, dressée entre le ciel et la terre, invite l’humanité à s’élever, comme le font les anges.
Les Noces — Sous la clarté d’un lustre majestueux, des noces abstraites célèbrent l’effervescence et la fragilité d’une union, faites de promesses d’avenir et de multiples ruptures, au rythme obsédant de chants ancestraux, de pulsations organiques et de déflagrations telluriques.

Avec la recréation de sa pièce Nous ne cesserons pas, Bruno Bouché réinvestit, sur la Sonate pour piano en si mineur de Liszt jouée par Tanguy de Williencourt, l’imaginaire symbolique et spirituel d’un épisode du Livre de la Genèse, au cours duquel Jacob a la vision dans son sommeil d’une échelle divine parcourue par des anges pour les cieux. À ce désir d’élévation, Hélène Blackburn répond par un désir d’union avec une nouvelle création chorégraphique sur la musique magistrale des Noces de Stravinski, interprétée par les solistes de l’Opéra Studio, le Chœur de l’Opéra national du Rhin, quatre pianistes et les Percussions de Strasbourg. Un diptyque chorégraphique et musical puissant, où les énergies, les genres et les esthétiques se complètent et s’opposent.

  À partir de 8 ans

 

Une Ouverture magnifiant le folklore klezmer, une Suite en hommage aux compositeurs italiens du passé, un Quatuor où règne l’équilibre, une suite instrumentale regroupant quelques pièces d’un mimodrame qui prend sa source dans le mythe de Faust…

Prokofiev, Stravinski et Haydn laissent parler diverses combinaisons instrumentales qui servent à merveille leurs propos.

Dramma per musica en trois actes.
Livret d’après Ginevra, Principessa di Scozia d’Antonio Salvi.
Créé le 8 janvier 1735 au Royal Theatre, Covent Garden, à Londres.

La princesse Ginevra et son fiancé, le chevalier Ariodante, nagent en plein bonheur : ils sont jeunes, beaux, amoureux et promis à régner un jour sur un royaume prospère. Tout, même la nature, paraît célébrer l’harmonie de leur union, mais un tableau si idyllique ne peut qu’aiguiser les appétits et susciter les jalousies des ambitieux qui gravitent autour du roi d’Écosse. Le machiavélique duc Polinesso voit ainsi dans un mariage avec la princesse le meilleur moyen d’accéder au pouvoir. Pour arriver à ses fins, il manipule la confidente de la jeune femme, Dalinda, et joue des apparences trompeuses d’une nuit obscure afin de compromettre Ginevra, qui semble tomber sous son emprise.

Ariodante est créé par Haendel en 1735 à Londres avec le castrat Carestini et quelques-unes des autres grandes stars de l’opera seria que les théâtres européens s’arrachent alors. Si son histoire s’inspire d’un épisode du Roland furieux*, fameuse épopée chevaleresque de l’Arioste, il n’y est pas question de magie ou de créatures fantastiques, mais de personnages profondément humains, même lorsque leurs passions flirtent avec la monstruosité. Partant de cette dimension psychologique forte, la metteuse en scène Jetske Mijnssen fait de la cour du roi d’Écosse dépeinte dans le livret d’Antonio Salvi une seule et même famille royale, rongée par la loi du silence, les secrets d’alcôves et les jalousies. Grand spécialiste de la musique baroque, Christopher Moulds dirige ce huis clos haletant dans lequel une jeunesse dorée s’affronte et se déchire à coup de vocalises virtuoses et de sublimes lamentations.

En italien
Surtitré en français, allemand

À partir de 12 ans

 

Vertiges franco-allemands

Mélodies et lieder de Fauré, Chausson, Duparc, Brahms et Schumann.Entre la mélodie française et le lied, le cœur du baryton

 Stéphane Degout balance. Son programme franco-allemand reflète son aisance à passer de l’un à l’autre, culminant dans deux cycles de haute inspiration et de grande profondeur: l’opus 24 de Schumann et les Quatre Chants sérieux de Brahms

Ballet-féerie en deux actes.
Musique de Piotr Ilitch Tchaïkovski.
Création.

Les Drosselmayer sont un couple d’inventeurs excentriques et loufoques. Le soir de Noël, le bric-à-brac de leur atelier devient un terrain de jeu merveilleux pour leur filleule Clara, qui a bravé le froid de l’hiver pour se rendre en secret chez eux. Ils lui offrent en cadeau un petit Casse-Noisette sous la forme d’une figurine en bois, puis transforment par magie des poupées en véritables danseuses. Bientôt, ce sont tous les objets inanimés qui prennent vie sous les yeux ébahis de la jeune fille ! Après tous ces prodiges, celle-ci s’endort sur le bout du canapé. Lorsque minuit sonne, l’atelier est envahi par le Roi des rats et son armée de rongeurs. Commence alors pour Clara et son Casse-Noisette une longue bataille qui va les conduire jusqu’au pays enneigé de la princesse Pirlipat et au Royaume des cadeaux.

L’envoûtante partition de Casse-Noisette recèle quelques-unes des pages les plus emblématiques de Tchaïkovski, notamment l’ondoyante « Valse des fleurs », la mystérieuse « Danse de la fée Dragée » et le très slave « Trepak ». Issu des rangs du Ballet de l’Opéra national du Rhin, le jeune chorégraphe Rubén Julliard utilise le langage classique pour revisiter ce sommet du répertoire post-romantique, et revenir à l’esprit fantastique du conte original d’E. T. A. Hoffmann. La cheffe Sora Elisabeth Lee (promotion 2021 de l’Opéra Studio) dirige l’Orchestre philharmonique de Strasbourg pour des soirées pleines de féerie, idéales pour passer un moment en famille à l’occasion des fêtes de fin d’année.

À partir de 6 ans

 

Les Drosselmayer sont un couple d’inventeurs excentriques et loufoques. Le soir de Noël, le bric-à-brac de leur atelier devient un terrain de jeu merveilleux pour leur filleule Clara, qui a bravé le froid de l’hiver pour se rendre en secret chez eux. Ils lui offrent en cadeau un petit Casse-Noisette sous la forme d’une figurine en bois, puis transforment par magie des poupées en véritables danseuses. Bientôt, ce sont tous les objets inanimés qui prennent vie sous les yeux ébahis de la jeune fille ! Après tous ces prodiges, celle-ci s’endort sur le bout du canapé. Lorsque minuit sonne, l’atelier est envahi par le Roi des rats et son armée de rongeurs. Commence alors pour Clara et son Casse-Noisette une longue bataille qui va les conduire jusqu’au pays enneigé de la princesse Pirlipat et au Royaume des cadeaux.

La lumière de l’Italie est chère à l’âme du Russe Tchaïkovski. Il fait plusieurs séjours à Rome, Florence… qui lui inspirent plusieurs œuvres dont ce sextuor. Faut-il y chercher des éléments italiens ? Il est plutôt le témoignage sensible d’un temps heureux.

Un siècle plus tôt, Boccherini ouvrait la voie à ce genre musical avec le tout premier sextuor, une pièce historique.

La lumière de l’Italie est chère à l’âme du Russe Tchaïkovski. Il fait plusieurs séjours à Rome, Florence… qui lui inspirent plusieurs œuvres dont ce sextuor. Faut-il y chercher des éléments italiens ? Il est plutôt le témoignage sensible d’un temps heureux.

Un siècle plus tôt, Boccherini ouvrait la voie à ce genre musical avec le tout premier sextuor, une pièce historique.

La pièce de Lili Boulanger, rayonnante d’optimisme, est pourtant l’une des dernières écrites au cours de sa courte vie.

Trois ans plus tôt, en 1914, Ravel composait son unique trio au climat terriblement angoissé. Entre ces deux œuvres, hommage au passé avec Hersant. Il s’inspire d’une célèbre pièce d’un maître du baroque, et varie les trois notes entêtantes du carillon de l’église Sainte-Geneviève-du-Mont.

La pièce de Lili Boulanger, rayonnante d’optimisme, est pourtant l’une des dernières écrites au cours de sa courte vie.

Trois ans plus tôt, en 1914, Ravel composait son unique trio au climat terriblement angoissé. Entre ces deux œuvres, hommage au passé avec Hersant. Il s’inspire d’une célèbre pièce d’un maître du baroque, et varie les trois notes entêtantes du carillon de l’église Sainte-Geneviève-du-Mont.

Opéra fantastique en cinq actes.
Livret de Jules Barbier et Michel Carré.
Créé le 10 février 1881 à l’Opéra-Comique à Paris.

Alors que commence l’entracte du Don Giovanni de Mozart dans lequel triomphe sa maîtresse Stella, Hoffmann échoue une nouvelle fois dans la taverne attenante au théâtre, flanqué de son compagnon Nicklausse qui le suit comme son ombre. Échauffé par le punch, les chansons grivoises et la présence électrique de son rival Lindorf, Hoffmann régale l’assemblée présente avec le récit épique de ses amours passées. Olympia, Antonia, Giulietta : trois femmes qu’il dit avoir aimées mais que le sort – ou un mauvais diable – s’est acharné à lui enlever, comme si la même histoire douloureuse se répétait sans cesse. Mais n’est-ce pas le lot de tout artiste de réchauffer son génie avec les cendres de son cœur ? Foi de muse : si l’homme est grand par l’amour, le poète l’est bien davantage par les pleurs.

Maître absolu de l’opérette sous le Second Empire, Offenbach consacre les derniers mois de sa vie à la composition de l’œuvre la plus ambitieuse de sa carrière : un opéra aussi émouvant que divertissant, dans lequel le rire n’enlève rien au tragique ni à la beauté. Il compose ce tour de force musical sur un livret tout aussi magistral, réunissant pas moins de trois histoires dans la même histoire, avec pour protagoniste l’écrivain (et musicien) E. T. A. Hoffmann, devenu le héros de ses propres contes fantastiques qui ont tant marqué l’imaginaire romantique. Avec la complicité du chef Pierre Dumoussaud, Lotte de Beer revisite ce grand classique et signe une plongée vertigineuse dans la psyché et les fantasmes d’un artiste en lutte avec ses démons intérieurs.

En français
Surtitré en français, allemand

À partir de 8 ans

 

Alors que commence l’entracte du Don Giovanni de Mozart dans lequel triomphe sa maîtresse Stella, Hoffmann échoue une nouvelle fois dans la taverne attenante au théâtre, flanqué de son compagnon Nicklausse qui le suit comme son ombre. Échauffé par le punch, les chansons grivoises et la présence électrique de son rival Lindorf, Hoffmann régale l’assemblée présente avec le récit épique de ses amours passées. Olympia, Antonia, Giulietta : trois femmes qu’il dit avoir aimées mais que le sort – ou un mauvais diable – s’est acharné à lui enlever, comme si la même histoire douloureuse se répétait sans cesse. Mais n’est-ce pas le lot de tout artiste de réchauffer son génie avec les cendres de son cœur ? Foi de muse : si l’homme est grand par l’amour, le poète l’est bien davantage par les pleurs.

Voyage intérieur

Lieder de Loewe, Schumann, Brahms, Wagner, Pfitzner, Strauss, Mahler, Wolf, Eisler, et d’autres encore.

Le temps d’un récital qui explore les « dimensions de l’humain » en parcourant « Quatre mondes », l’extraordinaire soprano allemande nous emmène dans un périple à la fois intérieur et fantastique à travers un siècle et demi de lied germanique, de Schumann à Eisler.