Agenda

Forme théâtrale inventée d’après les objets tactiles de la plasticienne Myriam Colin, TOUCHE est un voyage à travers les sens et l’imaginaire. Un spectacle à la frontière entre expérimentations de textures, de formes zoomorphiques et aire de jeu(x) circulaire, partagée avec les plus petit·es. Les sensations évoluent grâce aux gestes qui rythment la découverte. Cette première création du collectif POM réunit les matières sonores du flûtiste Olivier Touratier et la danse de Pauline Leurent autour de sculptures vivantes. Nid affleurant du sol, cocon en accordéon, coquille de Bernard-l’hermite, tapis de noix ou chrysalide de chenille en feutre horticole, ces objets sont autant d’activateurs d’imaginaires. La recherche poétique autour du toucher, sensation pure et primitive, devient un acte de transformation du monde, une voix dans le silence et un langage parallèle partagé avec les tout-petits. À partir d’îlots d’assises en arc de cercle, ils explorent le souffle et l’espace environnant comme un prolongement du corps. Les créations textiles bigarrées deviennent tout à la fois abris, territoires d’aventures et de fictions.

dès 18 mois

Spectacle en lituanien surtitré en français et en anglais.

Embrasser les cendres fait appel à cette force vitale qui stimule sans relâche nos imaginaires. À l’invitation du Théâtre de Marionnettes de Klaipėda, Renaud Herbin tisse un récit polyphonique et visuel. Ce territoire lithuanien aux limites géographiques concrètes – bordé par la mer Baltique et le delta du Nièmen – n’a eu de cesse d’être balloté entre les empires, subissant la domination polonaise, puis Russe, celle du IIIe Reich et de l’URSS. Puisant dans la mémoire païenne de cette contrée, pleine de magie, de sorcellerie et de déesses-mères, la dramaturge Lina Laura Švedaitė et l’ancien directeur du TJP inventent une série de courtes fictions qui s’amoncellent et, sans cesse, recommencent, s’effacent, s’avalent les unes les autres, provoquant une sensation de vertige. Iels partent des cendres comme de récits qui dorment dans les plis de nos paysages communs. Une recherche du désir d’aller de l’avant, de trouver en son for intérieur des refuges d’utopie dans lesquels subsister et se relever. De cet amas fécond naît une micro-fresque universelle avec des marionnettes à fils.

Grâce à une boîte lumineuse pleine de surprises, qui ne demande qu’à être explorée, Ayako Okubo offre une expérience unique d’écoute. Chacun des compartiments et tiroirs contient des objets sonores en céramique (aquaphones et carillons), inventés de toute pièce par Kapitolina Tcvetkova, ou conçus à partir de l’étude de différents instruments à vent et à percussion. Au centre, un bassin rempli d’eau rappelle la vie in utero, l’amplification des sons et leur écho. L’espace musical tinte, vibre et se déploie, faisant voyager autour des jeunes tympans les résonances et gestes de cet instrumentarium inédit. Musique, scénographie et lumière ont été conçues de concert avec la psychologue Estelle Galati Oliveri, afin de correspondre à la compréhension du monde et au développement d’un·e enfant de moins de 3 ans. PTITÉCOUTI développe leur capacité de concentration sur les éléments sonores qui leur sont adressés. Une continuité pour la co-directrice artistique d’HANATSUmiroir qui intervient régulièrement dans des lieux d’accueil de la petite enfance, afin de les accompagner dans l’appréhension auditive de leur environnement.

Partition pour un aspirateur et trois agent·es d’entretien, H.S. est une petite forme tout-terrain, inspirée des principes fictionnels du spectacle Services. La metteuse en scène Juliette Steiner fait du son le moteur d’une narration qui s’invente par couches successives et lâcher-prise. Au moment de leur pause, iels remisent balais et serpillères pour casser la croûte dans un cérémoniel burlesque aux allures de Sainte-Cène, version pique-nique syndical. Un simple paquet de chips et de l’eau du robinet déclenchent bruits, rots et autres craquements invitant à la chamaille. Autour d’une table et de chaises, un ordinateur et un sampleur suffisent à ordonnancer une série d’accidents sonores (interférences radiophoniques, beats humains et bruits mis en boucles) générés par l’équipe. Cette symphonie du temps présent devient de plus en plus absurde, surtout lorsque la bande originale du monde déraille et demande une réinitialisation totale. À partir d’un quotidien en apparence morose, la découverte jouissive du jeu débouche sur la capacité, par l’humour et le chant lyrique ou rappé, de réenchanter collectivement le monde.  

Inspirée des Contes à Paillettes, menés depuis quelques années par le collectif queer de drag queens parisiennes Paillettes, Nöxïmä Marley propose un show détricotant les clichés des contes pour enfants. Une manière d’explorer sur talons hauts et habits d’apparat les questions d’égalité, d’inclusivité et de différence en relookant les rôles habituels des histoires. Ici, les sorcières sont malicieuses et les princesses prennent leur destin en main pour partir à l’aventure. Quant aux princes, ils ne sont pas forcément charmants charmants !

Mother de la House of Marley, Nöxïmä Marley est à la tête de la principale maison de drag-queen strasbourgeoise. DRessed As a Girl, cette drama queen est la maîtresse de cérémonie d’un florilège d’événements célébrant un art sans frontière, où chacun·e peut s’inventer et être ce qu’il·elle veut. De La Grenze à The People Hostel, elle multiplie les événements : drag quiz, bingo, apéro, goûter pour les enfants (Once upon a drag) ou encore Just dance contest. En 2024, la House of Marley est même partie sur la route, aux quatre coins de l’hexagone, afin de montrer ses talents, d’essaimer et de diffuser la culture queer. Dans le cadre du mois des visibilités, elle a organisé en collaboration avec l’Espace K le festival Délicieusement drag, afin de promouvoir l’ensemble de son spectre (danse, show, théâtre…) autour de l’acceptation de soi et de la différence.

Les enfants sont invités à prendre place dans un espace qui rappelle une clairière ou un campement, composé d’étang et de tentes dans lesquels ils et elles pourront s’installer.

Arrivent deux créatures, mi-humains mi-Yokai. Amies, ennemies ? Alors que chacune tente d’implanter son campement, un drôle de jeu se met en place. Jeu d’imitation ? De transformation ? Parviendront elles à s’entendre et à créer quelque chose ensemble ?

Petit à petit, Marvin Clech, danseur qui mélange le contemporain au krump, et Naëma Tounsi, comédienne et chanteuse aussi à l’aise chez Mozart qu’Ella Fitzgerald, vont s’apprivoiser pour mêler leurs imaginaires pour finir par inviter les enfants à prendre part à leur joyeuse ronde du changement.

Pour leur première création pour les tout·e-petit·es, les metteuses en scène Juliette Steiner et Kaori Ito utilisent le plaisir de la transformation magique pour donner vie à un rite carnavalesque. La joie de devenir un monstre, un animal, un objet, une plante ou un être hybride, repose sur la liberté de bouger, chanter et danser. S’élabore ainsi collectivement la possibilité de renverser les perspectives, de réinventer un monde de tous les possibles où le changement est source de joie, de rire et d’espoir.

Performance historique, qui fit naître à la scène le plasticien Olivier de Sagazan, Transfiguration a déjà été jouée plus de 350 fois. En costume cravate, il y déploie l’histoire de son désir jamais assouvi de sculpteur, de donner vie à sa création. Dans une semi-obscurité, il entame un rituel au cours duquel il s’immerge dans l’argile, et laisse ses mains pleines de peinture danser sur sa tête. Cette matière malléable, mouillée et mêlée à d’autres (paille, branches…), devient la source d’extensions instinctives et d’enveloppes difformes, façonnées à l’aveugle par surmodelages et effacements successifs. Se noue un jeu d’hybridités animales et monstrueuses, de disparition totale de visage humain pour mieux laisser émerger ses perceptions intimes et profondes, les identités cachées qui le possèdent. Sculpture vivante, Olivier de Sagazan éructe et psalmodie à la limite de l’audible, en malaxant sa prochaine mue, toujours en quête de découvrir qui il est sous ses masques, et qui est le marionnettiste : « Je suis sidéré de voir à quel point les gens pensent qu’il est normal d’être en vie. Tout mon objectif est de rendre compte de l’étrangeté même d’être là. La défiguration en art est pour moi un moyen, par la puissance même des images qui peuvent apparaître, d’accéder à cette prise de conscience. » 

Aux origines, la danse était utilisée collectivement pour célébrer la nature dans un dialogue avec la culture. Le danseur et chorégraphe Louis Gillard s’empare du symbole du passage de l’hiver au printemps pour initier une déambulation participative menée par 20 adolescent·es quittant l’enfance pour l’âge adulte. La Parade des cent démons propose aux acteur·ices et au public de se délester de leurs démons intérieurs. Elle repose sur une croyance issue du folklore japonais qui veut que, chaque année, des yōkai (esprits, étranges apparitions…) aux formes anthropomorphes et zoomorphes prennent d’assaut les rues la nuit venue, jusqu’au lever du jour suivant. Elle redonne du sens à la notion galvaudée de populaire grâce au concours du musicien strasbourgeois Florian Borojevic, spécialiste du gamelan balinais servant de socle social aux rituels qui régissent les événements importants de la vie. À côté de taikos (tambours traditionnels japonais), il recrée un instrumentarium réalisé à partir de matériaux industriels et de récupération afin d’initier une musique savante dont chacun·e peut s’emparer. En marchant et dansant tous·tes ensemble, cette fête cathartique et carnavalesque rend poreuse l’habituelle frontière séparant regardant·es et regardé·es.

Une jeune femme entre sur scène, sur une table sont disposées des photos, celles de son enfance. L’une, en apparence banale, retient son attention : deux petites filles sont assises sur les genoux de leur grand-père. Soudain, elle est rejointe par Quelqu’un. Ensemble, iels redécouvrent les clichés et les objets qui n’en finissent plus d’apparaître. Tous les dragons est une enquête, une auto-fiction documentaire qui tente de recoller les morceaux d’une mémoire altérée, suite à une amnésie traumatique. La bataille intime de Camille Berthelot pour retrouver des souvenirs épars et douloureux, enfermés dans une boîte depuis trop longtemps : « Le dragon c’est Jacques. Le dragon c’est ce qui m’est arrivé. Le dragon c’est moi. C’est moi à 5 ans qui n’arrive pas à m’en sortir seule avec cette histoire. Le temps est venu pour moi de la libérer en posant au spectateur cette question : Comment se reconstituer ? Comment se comprendre ? Comment se battre face à nos propres dragons ? » L’autrice et metteuse en scène écrit sur le tabou et le déni de société entourant encore l’inceste vécu par celleux que l’on nomme « les enfants du silence ». La vidéo sert d’outil dramaturgique de l’inconscient. Les projections de documents laissent, petit à petit, place à des visions, des souvenirs, une mémoire traumatique dont la perception est altérée, troublée, fragmentée. Vient alors le temps de la reconstruction en tant que femme. En façonnant ainsi son vécu, il devient universel.