Agenda

Démarrer une saison c’est donner du sens et de l’envie. 
Au programme, la présentation de la saison en images et deux propositions artistiques volontairement très différentes, au regard de notre saison contrastée.  

Angela Rabaglio & Micaël Florentz / Cie Tumbleweed 
The Gyre (in situ) 
Tumbleweed est une compagnie de danse basée à Bruxelles et Zurich, fondée par Angela Rabaglio, chorégraphe et danseuse suisse, et Micaël Florentz, chorégraphe, danseur et musicien français. À travers un dialogue constant et une curiosité physique, technique et artistique permanente, ils ont composé leur propre compréhension du mouvement, du corps et de son langage. The Gyre, leur première production, est une pièce évoluant sur un concept simple : marcher. De ce mouvement ininterrompu, fait de courbes et de croisements les deux danseurs déroulent, pas à pas, une partition captivante de mouvements entrelacés. Ils orchestrent tout en douceur une transe méditative et enivrante réglée comme du papier à musique.   

Konstantinos Papanikolaou 
A User’s Manual – Chapter I & III 
Konstantinos Papanikolaou, danseur et chorégraphe, est aussi diplômé de troisième cycle en danse de l’Université Paris 8 et a fait des études de psychologie à Athènes. Fort de ce parcours universitaire il interroge avec humour et décalage sa propre pratique et plus largement l’art contemporain. Qu’est-ce que le « grand art » et qu’est-ce que la « pop» ? Une sorte de guide de l’utilisateur destiné à fournir au public un mode d’emploi du fonctionnement de la représentation sur scène, plus particulièrement dans les spectacles de danse. Une entrée en matière idéale pour une saison riche de représentations en tout genre.

Espiègle s’il en est, l’on se souvient que Sylvain Riéjou annonçait la couleur lors de sa dernière venue : Mieux vaut partir d’un cliché que d’y arriver. Dans sa nouvelle pièce, Je badine avec l’amour (parce que tous les hommes sont si imparfaits et si affreux), l’artiste associé de POLE-SUD jusqu’en 2026 n’a rien perdu de son humour ravageur ni de son éclectisme culturel. La collision qu’il orchestre entre Musset (On ne badine pas avec l’amour) et Patrick Swayze dans Dirty Dancing n’est qu’un début. Le chorégraphe se lance dans une déclaration d’amour à la danse et au sexy comédien qui n’est pas étranger à ses premiers émois homosexuels, ni à sa perception de la séduction à travers les stéréotypes hétéros des films grand public des années 1980. Pour la première fois, il invite d’autres danseurs dans son autofiction, au son de The Time of My Life. Entre scène du film rejouée, lip-sync et passages iconiques – et ironiques – de chorégraphes contemporains (Bagouet, Keersmaeker…), son quatuor dansé-parlé dessine une cartographie du corps et du désir.

Avec quatre jeunes comédiens rencontrés pour Le Chœur, présenté l’an passé, Fanny de Chaillé bâtit une histoire collective du théâtre, pensée par sa filiation historique mais aussi du point de vue de ses acteurs. Entre scènes et figures mythiques, se dessine une cartographie de l’art dramatique sautant avec agilité des avant-gardes aux hybridations les plus contemporaines. Le théâtre de la relation, auquel la directrice du Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine se plait à donner corps, forme une épopée à hauteur d’enfants. La découverte y est aussi enthousiasmante pour eux, que la reconnaissance des clins d’œil appuyés pour les spectateurs les plus assidus. Des questions brutes (jouer, est-ce faire semblant ou devenir le personnage ?) voisinent avec des tirades interprétées dans un décalage saisissant. Elle offre une lecture limpide des enjeux de pouvoir, des rôles genrés et des angles morts qui témoignent si bien de deux mille ans d’histoire sur lesquels repose notre culture commune.

PRÉSENTÉ DANS LE CADRE DE « PETITE HISTOIRE, GRANDE HISTOIRE », RÉSIDENCE ARTISTIQUE DE FANNY DE CHAILLÉ À L’UNIVERSITÉ DE STRASBOURG.
AVEC LE SOUTIEN DE LA FONDATION D’ENTREPRISE HERMÈS.

Avec quatre jeunes comédiens rencontrés pour Le Chœur, présenté l’an passé, Fanny de Chaillé bâtit une histoire collective du théâtre, pensée par sa filiation historique mais aussi du point de vue de ses acteurs. Entre scènes et figures mythiques, se dessine une cartographie de l’art dramatique sautant avec agilité des avant-gardes aux hybridations les plus contemporaines. Le théâtre de la relation, auquel la directrice du Théâtre national de Bordeaux en Aquitaine se plait à donner corps, forme une épopée à hauteur d’enfants. La découverte y est aussi enthousiasmante pour eux, que la reconnaissance des clins d’œil appuyés pour les spectateurs les plus assidus. Des questions brutes (jouer, est-ce faire semblant ou devenir le personnage ?) voisinent avec des tirades interprétées dans un décalage saisissant. Elle offre une lecture limpide des enjeux de pouvoir, des rôles genrés et des angles morts qui témoignent si bien de deux mille ans d’histoire sur lesquels repose notre culture commune.

PRÉSENTÉ DANS LE CADRE DE « PETITE HISTOIRE, GRANDE HISTOIRE », RÉSIDENCE ARTISTIQUE DE FANNY DE CHAILLÉ À L’UNIVERSITÉ DE STRASBOURG.
AVEC LE SOUTIEN DE LA FONDATION D’ENTREPRISE HERMÈS.

Quelques années après My Pogo, Fabrice Ramalingom décide de retraverser les intentions de cette pièce en l’adaptant pour le jeune public. L’ancien interprète de Dominique Bagouet y dévoile, avec humour et légèreté, la boîte à outils de la fabrique de sa danse. Tout débute comme une conférence avant de glisser, l’air de rien, vers le spectacle qui se joue. En passant d’abord par l’explication des rouages créatifs, le chorégraphe et ses trois danseurs font œuvre d’une pédagogie célébrant l’écriture du mouvement dans ses rouages les plus intimes. My (petit) Pogo est traversé par la question de l’être ensemble et la difficulté à trouver sa place dans un groupe. Autant de thématiques vivaces chez des enfants qui découvrent, étonnés, la liberté et la rugosité d’un pogo à un âge où ils interrogent le monde l’esprit ouvert, avant la rébellion de l’adolescence. La graine plantée dans leur esprit pourra ainsi germer et laisser éclore tout leur imaginaire.

Quelques années après My Pogo, Fabrice Ramalingom décide de retraverser les intentions de cette pièce en l’adaptant pour le jeune public. L’ancien interprète de Dominique Bagouet y dévoile, avec humour et légèreté, la boîte à outils de la fabrique de sa danse. Tout débute comme une conférence avant de glisser, l’air de rien, vers le spectacle qui se joue. En passant d’abord par l’explication des rouages créatifs, le chorégraphe et ses trois danseurs font œuvre d’une pédagogie célébrant l’écriture du mouvement dans ses rouages les plus intimes. My (petit) Pogo est traversé par la question de l’être ensemble et la difficulté à trouver sa place dans un groupe. Autant de thématiques vivaces chez des enfants qui découvrent, étonnés, la liberté et la rugosité d’un pogo à un âge où ils interrogent le monde l’esprit ouvert, avant la rébellion de l’adolescence. La graine plantée dans leur esprit pourra ainsi germer et laisser éclore tout leur imaginaire.

Histoire(s) du Théâtre IV

Acclamé par la critique, cette longue chanson est avant tout un morceau de bravoure athlétique et musical, un déferlement d’énergie vitale pour la relecture d’un requiem : en 2005, la metteuse en scène Miet Warlop avait conçu Sportband / Afgetrainde Klanken comme un hommage à son frère décédé. 20 ans plus tard, elle relit la pièce à l’aune d’une œuvre qui s’est entre-temps imposée sur la scène internationale, et lui donne une teinte nouvelle. ONE SONG est aussi inclassable que ne l’est son autrice, qui aime mettre à bas les conventions, avec humour et finesse. À commencer, ici, par la différence entre le sport, la musique et le théâtre. Encouragé·es par leurs fans enthousiastes, et accompagné·es par un pom-pom-boy dévoué à la cause du spectacle, cinq musicien·nes sautent, courent, marchent sur une poutre, font des étirements… à moins que ce ne soit cinq athlètes au violon, à la contrebasse, à la batterie ? Dans cet étrange meeting sportif qui mêle le rire au chagrin de la perte, chaque note nécessite un effort. Une performance, dans tous les sens du terme.

Comme souvent dans l’univers de la Cie Wooshing Machine, les quinquagénaires Alessandro Bernardeschi et Mauro Paccagnella revêtent perruques et micros pour entonner des airs populaires. De Simon & Garfunkel à Nina Simone, en passant par Marianne Faithfull, le duo déploie son goût du jeu en parallèle des fêlures qui les habitent. Après Happy Hour et El pueblo unido jamás será vencido, ils concluent leur Trilogie de la mémoire avec Closing Party (arrivederci e grazie). Un bal de clôture sans paillettes, absurde et ironique, traversant la fin des utopies dans le même costume noir et barbe de trois jours. Ce passage en revue des souvenirs intimes, mêlés à l’histoire collective, prend corps dans une nostalgie joyeuse. Leur nonchalance naturelle n’enlève rien à leurs qualités de danseurs assumant de vieillir en clowns désabusés, en valse d’adieux reportés. Une dernière danse, front contre front, affranchie de la pression de la performance, entièrement tournée vers l’émotion et le plaisir – partagé – du mouvement.

Objet scénique pluriel et inhabituel, Voie, Voix, Vois est né d’une rencontre aux Ateliers Indigo. Cette association bruxelloise accompagne une vingtaine d’artistes en situation de handicap, dans des ateliers d’art plastique, de la scène et de la musique. Le musicien Antoine Leroy et le danseur et comédien Gaël Santisteva nouent une amitié et des affinités artistiques avec le plasticien-poète-acteur Saaber Bachir. Leur trio trouble les textures vocales et textiles afin de bouleverser l’ordre établi. La ventriloquie est détournée par modification électronique des voix, mais aussi par la prise de contrôle physique des partenaires de jeu sur scène. En maître de cérémonie, Saaber dirige, manipule, dicte le tempo et oriente les regards pour nous offrir sa propre vision des choses. Sur fond de sound system déstructuré, la normalité et la norme se trouvent questionnées, chamboulées dans leur frottement avec la légitimité, la soumission et le contrôle.

Lorsque l’amour vous fait signe, suivez-le…

D’un vers de Khalil Gibran – « Lorsque l’amour vous fait signe, suivez-le » tiré du Prophète – Radhouane El Meddeb crée un écrin pour deux danseurs et une danseuse. Un à un, ils traversent mille et une variations du sentiment amoureux, se laissant happer par la passion et l’extase, l’introspection spirituelle et charnelle. Le chorégraphe d’origine tunisienne est venu sur le tard à la danse, empruntant d’abord le chemin du théâtre. Mais c’est dans les studios qu’il trouvera l’espace adéquat pour ce qui le meut. Il chemine dès lors entre solos délicats (Sous leurs pieds, le paradis co-écrit avec Tomas Lebrun, À mon père, une dernière danse et un premier baiser), et pièces de groupe (Au temps où les arabes dansaient…) dans lesquelles il explore l’héritage des carcans sociétaux distinguant féminité et masculinité. Les AMOUR-S pluriels qu’il compose forment un hommage au célèbre poète et mystique libanais et à son personnage en quête de bonheur, de transcendance et de bonté. Son vocabulaire ne varie pas, fait d’attention sensible pour l’infime, de tournoiement et de subtile lenteur.

Juché sur un podium de deux mètres par deux, Arthur Perole fait du mouvement un art de vivre autant qu’un moyen de se sentir vivant. Il connecte l’imaginaire et le corps pour mieux atteindre notre besoin de tendresse. À ses côtés, le musicien Marcos Vivaldi enchevêtre les propositions musicales allant de l’italo-disco à la new-beat, en passant par les chansons d’amour et la musique répétitive de Steve Reich. Dans son débardeur à paillettes, notre danseur explore en solo la vibration intime de nos émotions. En isolant des parties du corps (visage, buste, etc.), il focalise l’attention du public sur des sensations mouvantes, multipliant les saccades, arrêts soudains et ralentis pour mieux nous happer. Ce tourbillon de gestes qui ondulent et se métamorphoses encore et encore, tutoie nos rêves intimes. Il joue avec notre perception troublée de la réalité dans une sensualité généreuse et touchante.

Autour de la rencontre amoureuse et de la jouissance, Simon Feltz compose GRAINS. Ce sextet y explore les rapports entre langage et corporalité. Équipés de micros, les gestes (frottements, froissements de vêtements…) comme les bruits (râles, cris, mots doux…) teintent d’une touche d’érotisme une partition poétique. Enregistrés en direct, ils sont amplifiés et diffusés à partir d’un dispositif spatialisé permettant au spectateur une immersion au creux des étreintes qui se forment. Cette création chorégraphique s’intéresse au moment précis de la rencontre charnelle, où le contact physique entre partenaires remplace toute communication par la parole. Dans Écho, le chorégraphe transposait les phénomènes de synchronisation entre gestes et mots en outils de composition du mouvement. Il poursuit cette exploration des rapports entre langue et corps à l’endroit même où cette dernière abdique : face à la force des sensations.

Comme les fonds marins, le sous-sol et la vie souterraine terrestre restent méconnus. Pourtant, c’est sur sa flore et sa faune que toutes les autres formes de vie reposent. La compagnie Les Filles d’Aplomb invite à zoomer progressivement, dévoilant des dimensions occultées. L’univers auditif est l’élément qui nous conduit d’un espace à un autre : un paysage sonore souterrain accompagne le public jusqu’en salle où le son est amplifié. Pas et pattes discrètes rythment une poésie des saisons tandis que des effets de basse sourdent du sol dans une invitation à se lever pour participer. Entre danse des fleurs et piste de danse, la pièce tend des loupes et des microphones au ras des pieds. Kristine Groutsch et Marie Chauvière allient textes, immersions sonores, chants, invitation à donner de la voix et danse collective. Les nouvelles perceptions du monde invisible et foisonnant, ici déployées, entraînent d’autres « manières d’être vivant », selon la formule du philosophe Baptiste Morizot.

Seconde pièce de Joachim Maudet, WELCOME joue de la dissociation entre gestes et paroles. En jeans et cols roulés jaune, un trio d’interprètes évolue au ralenti, parlant sans qu’aucune lèvre ne bouge. Visages figés, les mines sont pourtant expressives et tranchent avec les propos, rebondissant de l’une à l’autre, comme par magie. Le trouble qui en émerge fait de ces pantins, étrangement animés, des êtres hybrides en total décalage, drôles, burlesques et absurdes à la fois. La tenue et le maintien des corps fait mouche, les glissements de situation et les créations d’images convoquant aisément des imaginaires communs. L’ancien interprète d’Akram Khan, Christian Ubl ou Bérengère Fournier de La Vouivre, va finir par libérer les corps dans une énième métamorphose. Toute en convulsions, cette exultation vitale rappelle à quel point les contradictions humaines sont histoire de perception.

Indispensables lieux de fabrique, les CDCN permettent chaque année à des dizaines d’artistes de créer de nouveaux spectacles dans de bonnes conditions techniques et financières. À POLE-SUD, un grand espace leur est dédié et nous participons, grâce à ce dispositif financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales, à la production d’œuvres régionales, nationales et internationales.   

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public lors de soirées 2 en 1 où vous pouvez découvrir gratuitement une étape de travail, les « Travaux publics », à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30.   

Cette nouvelle pièce se conçoit comme un défi, celui d’élargir son principe de création en confiant à un public issu de la jeune génération le soin de définir lui-même la matière première à l’écriture chorégraphique, scénographique et musicale de sa pièce. En amont de la création, des d’étudiant·e·s, spectateur·ice·s aux profils variés seront invité·e·s à se questionner et à partager les sources d’inspiration qui les animent au quotidien. Ils participeront à la composition d’un recueil collectif semblable à une capsule temporelle.  

Résidence : LU 16 > VE 20 DÉC

Indispensables lieux de fabrique, les CDCN permettent chaque année à des dizaines d’artistes de créer de nouveaux spectacles dans de bonnes conditions techniques et financières. À POLE-SUD, un grand espace leur est dédié et nous participons, grâce à ce dispositif financé par le Ministère de la Culture et les collectivités locales, à la production d’œuvres régionales, nationales et internationales.   

Certaines de ces résidences ouvrent leurs portes au public lors de soirées 2 en 1 où vous pouvez découvrir gratuitement une étape de travail, les « Travaux publics », à 19:00 et un spectacle de notre saison à 20:30.   

La transformation forge l’essence même de la danse d’Olé Khamchanla, qui a développé un vocabulaire singulier mêlant danse hip-hop, danse contemporaine et danses traditionnelles laotiennes et thaïlandaises. Une écriture chorégraphique qui parle et sert par elle-même ce thème. La pièce proposera des parties en solo, duo, trio, et exploitera également l’effet de masse, autant par la puissance qu’offre sept corps en mouvements, synchronisés ou pas, que par les histoires qui peuvent se construire et se déconstruire dans un groupe.  

Résidence : LU 06 > VE 10 JAN   

Grand Prix du syndicat professionnel de la critique, Black Lights s’inspire d’une dizaine d’autrices de la série télévisée H24. Après plus de quarante pièces, Mathilde Monnier, figure incontournable de la danse depuis les années 1990, interroge les violences faites aux femmes. D’Alice Zeniter à Siri Hustvedt, les mots détaillent les maux, le corps est successivement désiré, agressé, nié, rabaissé ou rétif. La chorégraphe indisciplinée en fait surtout le réceptacle d’un renversement et d’un processus de reconstruction. Source d’une polyphonie visuelle, la littérature fait naître le mouvement dans sa force et sa vulnérable fragilité. Alternent solos et scènes de groupe, virulence et résilience dans une œuvre collant à l’urgence d’une époque qu’elle regarde au fond des yeux, cherchant dans sa noirceur l’étincelle d’un renouveau.

Face à (l’im)possible discernement de soi et de l’autre dans une époque où la réalité n’est que trouble et illusion, Chandra Grangean et Lise Messina évoluent dans l’altération globale. Sparadraps et cellophane, scotch, perruques et blush sont autant d’outils de précision pour des transformations successives, déformant les perceptions à la manière d’une Cindy Sherman. Leur duo de blondes, même coupe au carré sur un jean, a ces faux airs inquiétants des Vieilles de Goya, yeux exorbités. Focalisée sur le visage, leur recherche plastique tient de l’émancipation face à la fixité des étiquettes et des normes sociétales. Multipliant clins d’œil et postures surjouées, elles mélangent les codes, brouillent les frontières, terrassent les certitudes.

Après avoir exploré le corps en joie dans un premier solo (Haré Dance), Akiko Hasegawa sonde la tristesse (Kanashimi). La danseuse strasbourgeoise, installée en France depuis le milieu des années 1990, poursuit un voyage intérieur autour de moments clés de son existence. Solitude et éloignement familial, danse au bord des larmes de Marta Graham, rencontre avec la tragédie Grecque sous un soleil de plomb, perte d’êtres chers… Autant de montagnes russes d’émotions qu’elle traverse au son du violon d’Aline Zeller. Sur une note tendue, redescendre là où le cœur se serre, avoir besoin de lumière et retrouver la brûlure de vivre poussant à remonter la pente. Mêler la danse, la présence et l’absence, l’ici et l’ailleurs.

Marquée dès son plus jeune âge par les films d’horreur et les histoires de possessions de sa Grèce natale, Chara Kotsali traque les esprits qui hantent notre langue, nos textes, nos connaissances et le monde matériel dans lequel nous baignons. En solo, elle donne vie à une multitude de rituels successifs, issus de témoignages de femmes d’horizons variés. Histoires de démons, exorcisme religieux, convocation d’esprits… autant de matières qu’elle transcrit corporellement, agitée par des phénomènes extérieurs qui entraînent une sauvagerie subversive. Être possédé par un passé impalpable et un pouvoir inconnu, la performeuse compile des archives de sons auxquels elle ajoute des effets de loop au micro, colle des affiches comme autant d’idoles formant un cadre indémêlable d’attirance / répulsion, dans une mise en abyme du carcan de normes qui contrôlent le corps social, depuis des siècles.